BOVARY

          La messa in scena di BOVARY è un’esperienza direi quasi immersiva.

Non c’è bisogno di ricorrere alla tecnologia per creare un ponte comunicativo che avvolge e si espande, fino a inglobare il pubblico in sala, nel mondo dei due unici personaggi protagonisti in scena.

Emma è una donna dei nostri giorni che conservando i tratti distintivi della protagonista Flaubertiana ne riporta il disagio e il tormento nella contemporaneità che non esitiamo a riconoscere. Suo marito, parallelamente, è la figura che ci aiuta a dipanare e a identificare le angosce di Emma col costante disagio, fuga, ribellione ora soffocata ora interiorizzata, poi incontrollata ed esplosiva…quel disagio di sentirsi fuori dallo status sociale nel quale si ritrova.

Emma del passato Flaubertiano diventa la donna che oggi vive i medesimi conflitti. La scena si presenta sinteticamente “contratta” ed “essenziale”, asciutta…ma è anche capace di espandersi quando i protagonisti si muovono dinanzi e dietro a questo muro che divide frontalmente lo spazio scenico…come divisi sono i due personaggi.

La scenografia non rappresenta solo un “luogo teatrale”; diventa anche lo sfondo su cui si palesano e si stagliano le “ombre” dei protagonisti. E’ qui che il dualismo scenico si esprime: i due personaggi mostrano il proprio lato oscuro, l’”ombra” che è l’altra faccia di noi stessi e che teniamo molto spesso a bada dentro.

Le luci agiscono sui corpi e sulle superfici amplificando e ingigantendo il buio fino a renderlo la sagoma del peso interiore dei protagonisti.

Il ritmo dettato dalle parole, dai gesti, dai movimenti, dalle direzioni disegnate da Emma e suo marito, ci raccontano una storia visibile e un’altra che resta invisibile ma percepibile.

Captiamo mondi presenti e passati, dubbi e possibilità, angosce e lotte interiori…le voci non formulano soltanto dialoghi ma delineano sottili comunicazioni che le luci sceniche accompagnano nel loro divenire e farsi insieme al suono che guida la nostra percezione in luoghi che trasfigurano lo spazio come fosse un medium emozionale e immaginifico.

Lo spettacolo scivola via; il testo è una scoperta di continue evoluzioni emozionali sapientemente dosate tra leggerezza e inquietudine. La regia è perfettamente calibrata e nella sua misura consente agli attori di muoversi su un pentagramma emozionale chiaramente strutturato pur invisibilmente gestito. La scena partecipa nella espressiva evoluzione statica di quel movimento interiore che anima i protagonisti.

I costumi raccontano, attraverso le loro tinte chiare e gli accenti degli accessori, una normalità luminosa, insospettabile nella sua forma di “normalità”, quindi visibile, eppure, capace di nascondere l’altra verità “ombra”…esattamente l’opposto…esattamente l’altro noi…

In scena ci sono due attori e, con loro, altri due personaggi che vivono dentro loro stessi e noi li riconosciamo e vediamo nitidamente. Il passaggio tra il dentro e il fuori è accompagnato dalle luci, precise e narrative. Addirittura riusciamo a percepire noi stessi attraverso loro.

Gli attori eccezionali: espressività corporea e capacità dialettica con cambi tonali e sfumature vocali…persino la loro fisicità racconta il loro mondo e la loro visione della vita con tutti i tumulti esistenziali.

Lo pièce inizia con al domanda di Emma e termina con una risposta sempre sua…nel mezzo c’è il tormento di un’anima.

Margareth Londo